Así piensan los artistas contemporáneos

Por Fietta Jarque

Joseph Beuys, Gilbert & George, Vito Acconci, Martin Creed, Michelangelo Pistoletto, Santiago Sierra, Marina Abramovic, Annette Messager, Eric Fischl...

Las entrevistas a artistas contemporáneos reunidas en este libro son una selección de 50 +1 de las que publiqué a lo largo de casi treinta años en el diario El País y en su suplemento Babelia, no las he contado todas pero son varios cientos. Son entrevistas hechas para un público amplio, culto pero no especializado. Lo cierto es que jamás se me ocurrió que podrían terminar formando parte de un libro. Pero sí hay un deseo que he mantenido desde el principio hasta el final y es el que da sentido a esta propuesta, que se resume en el título del libro: Cómo piensan los artistas (Fondo de Cultura Económica).

Siempre pensé que se debía conocer mejor a los artistas. La interpretación crítica es importante pero creo que se empobrece o se aísla si no hay una confrontación de su lectura con la declaración de intenciones del propio creador. El periodismo es divulgación y esa es una de las principales razones por las que me dediqué a esa profesión. Para comunicar y hacer que la mayor cantidad de gente posible se aproxime, se entere, aprecie el trabajo de artistas con propuestas interesantes o simplemente deslumbrantes.

No es fácil para la mayoría acercarse al arte contemporáneo. Hace falta cierta preparación y con eso quiero decir que hay que tener la voluntad de hacerlo y cierta apertura de miras, dejando de lado los prejuicios. Pienso que las entrevistas con artistas abren una posibilidad de entender no solo los procesos que llevan a ejecutar determinadas obras sino a percibir en muchas ocasiones el origen vital de su propuesta. La respuesta a la pregunta: ¿De dónde viene esto?

Las entrevistas de este libro -publicado por la editorial Fondo de Cultura Económica, Perú, y que llega ahora a las librerías españolas- son en cierta forma un atajo para situarse en el centro de lo que es el arte contemporáneo. Y creo, sobre todo, que es un libro útil. Para los propios artistas y los estudiantes, para los coleccionistas y, en fin, para todos los que quieran seguir mirando, comprendiendo y sintiendo de esa manera tan excepcional como la que nos propone una buena obra de arte.

Quise empezar el libro con la entrevista a Joseph Beuys, un iluminado excéntrico que descolocó el arte del siglo XX. De alguna manera está emparentado con el final, como una espiral que vuelve a pasar por los mismos lugares pero quizá un poco más elevado. Este libro guarda entre sus páginas un pequeño enigma. Una frase desmenuzada que guarda relación con esa lección de Beuys que atraviesa todo el arte contemporáneo. Los invito a armarla y a imaginar.

Los siguientes son los artistas incluidos en el volumen:

Joseph Beuys, Gilbert & George, Vito Acconci, Martin Creed, Michelangelo Pistoletto, Santiago Sierra, Thomas Schütte, Candida Höfer, Wolf Vostell, John Baldessari, Nan Goldin, Cindy Sherman, Marina Abramovic, Annette Messager, Eric Fischl, Andrés Serrano, Yasumasa Morimura, Paula Rego, Jürgen Klauke, Adriana Varejão, Christian Boltanski, Yinka Shonibare MBE, Raymond Pettibon, Helmut Newton, Alfredo Jaar, Fiona Tan, Iñigo Manglano-Ovalle, Mona Hatoum, Bill Viola, Pipilotti Rist, Julian Schnabel, David Salle, Robert Longo, Arnulf Rainer, Tony Oursler, Julian Opie, Hans Op de Beeck, Richard Serra, Donald Judd, Sol Lewitt, Anish Kapoor, James Turrell, Ulrich Rückriem, Richard Deacon, Barry Flanagan, Carlos Cruz Diez, Sean Scully, Georg Baselitz, Yayoi Kusama, Ángeles Santos.

La siguiente es una selección de una quincena de esos creadores contemporáneos a través de sus frases que los definen a ellos, a su arte y al arte mismo:

Joseph Beuys (Krefeld, Alemania, 1921 – Düsseldorf, 1986): "Veo la necesidad de encontrar un nuevo entendimiento del arte relacionado con la creatividad de todos para llegar verdaderamente a otro entendimiento de la sociedad capitalista".

"Yo no me siento como un artista. Yo incluso me niego a ser considerado un artista en el antiguo sentido del término. Si la gente llegara a tener claro que todo parte de la libertad creativa y pudiera llegar a desarrollarla, independientemente de la influencia del Estado, entonces me sentiría nuevamente un artista".

Nan Goldin (Washington DC, EE UU, 1953): "Sigo haciendo esa especie de diario visual, pero ya no es como antes, ya no estoy obsesionada con el miedo a perder esa memoria. Pero cuando voy a dejar un lugar o me voy a separar de alguien, sí que trato de capturarlos. Temo la pérdida. A los ocho años empecé a escribir un diario para no olvidar cómo pasaron en realidad las cosas. Cuando tuve mi primera cámara a los 15 años encontré una manera innegable de probarlo. Yo todavía creo que una foto puede decir la verdad. Y también creo firmemente en las series de imágenes porque una sola no suele expresarlo todo. No creo en el momento decisivo. Se puede ver a la gente desde distintas perspectivas y las relaciones personales son tan complejas que una sola imagen no puede captarlo todo".

"Yo jamás manipulo una sesión de fotografía, siempre llevo mi cámara conmigo. Fotografiar la vida es como excavar en el peligro".

Cindy Sherman (Nueva Jersey, EE UU, 1954): "No pienso que el utilizarme para mi trabajo me desgaste con respecto a la imagen que tengo de mí misma", continúa. "Lo que podría temer es sólo el quedarme un día sin ideas. No me siento atada personalmente a ninguno de los personajes que interpreto en mis obras, pero dejo de lado una idea si pienso que me estoy repitiendo en relación a otra imagen que he creado antes".

"No tomo fotografías, disparo para intentar nuevas proposiciones, nuevos disfraces, atmósferas, escenografías".

Christian Boltanski (París, Francia, 1944): "Las obras viven en manos del artista de forma temporal, viven una especie de reencarnación. Yo suelo destruir el 60% de las obras después de cada exposición. Y hago una especie de tumba con las que me gustan menos. Hay pocas que merezcan ser conservadas".

Helmut Newton (Berlín, Alemania, 1920 – Los Ángeles, EE UU, 2004): "Una sesión de retrato es equivalente a un acto de seducción. He fotografiado políticos cuya filosofía detesto, pero cuando los estoy fotografiando hago que se enamoren de mí. Y, durante ese momento, yo me enamoro de ellos también. Si ambos percibiéramos nuestro odio, la foto jamás podría realizarse".

Mona Hatoun (Beirut, Líbano, 1952): "En realidad soy el tipo de persona a quien le gusta que su obra tenga de todo: que sea visualmente atractiva, que te llegue tanto a nivel físico como emocional y que también te haga pensar. Si logro que cada una de mis obras funcione a todos esos niveles, me siento satisfecha"

Bill Viola (Nueva York, EE UU, 1951): "La gente de vídeo ha desarrollado un lenguaje que no es el del cine ni el de la pintura o la escultura, ni siquiera la televisión. ¿Quieres ver grandes efectos especiales?, fíjate en Zurbarán".

Michelangelo Pistoletto (Biella, Italia, 1933): "La gente teme a los espejos porque teme a la verdad. Quise acabar con la misteriosa idea de que un espejo es intocable. Por otro lado, al multiplicar los espejos en los trozos rotos es como la multiplicación de la totalidad en individuos. Un fragmento de espejo tiene las mismas cualidades que uno grande y cada persona tiene las mismas cualidades que el universo".

John Baldessari (National City, California, EE UU, 1931): "Cuando decidí ser artista, en los años cincuenta, no me atrevía a decirle a nadie que lo era. Me mantuve siempre con la enseñanza, y para mí no era lo más importante ganar dinero con mi obra. Pero los jóvenes artistas de hoy no piensan lo mismo. Ahora leemos artículos sobre arte en las páginas de finanzas de los periódicos. La calidad se juzga más por lo que una obra cuesta y no si simplemente te gusta. Ahora, con la recesión, los artistas también se ven afectados. Yo no estoy en contra del dinero. Lo único que deseo es que no sea el dinero el que mueva al arte".

Richard Serra (San Francisco, EE UU, 1938): "Yo llegué a la escultura no porque estuviera interesado particularmente por el acero, mi interés estaba en el espacio. Configurar el espacio usando el acero como materia. Encontré maneras de cortar el espacio con el acero. La línea es el corte".

"Creo que cuanto más arte haya en espacios públicos, mejor. Siempre se podrá juzgar un país por su libertad cultural, ya sea en música, poesía, arte, teatro, cine, lo que sea. Países en los que se reprime el arte suelen reprimir también a su pueblo".

Anish Kapoor (Bombay, India, 1954): "No quiero hacer objetos, quiero hacer algo que... te cause algo por un instante. Lo que pasa con tu cuerpo cuando ves arte, lo que te hace sentir que estás ahí y después recordarlo, es algo serio. La seriedad es importante. La vida no es broma. Es trágica. Por eso es por lo que uno hace algo que espera que sea serio. Y lo que sucede es que cuando te paras y observas una obra de arte, cambia el sentido de la propia presencia, el sentido del tiempo se extiende. Hay ligeras variaciones en tu interior, casi poéticas. Creo que ésa es la mejor manera de vivir la vida".

Carlos Cruz-Diez (Caracas, Venezuela, 1923): "La mayor cantidad de información que captamos entra por la percepción visual. Eso es en lo que he tratado de profundizar y explicarme el por qué. No para demostrarlo sino para convertirlo en un lenguaje y hacerlo cada vez más eficaz. No son efectos ópticos, son realidades".

Georg Baselitz (Deutschbaselitz, Alemania, 1938): "Hay un factor en el arte que siempre me ha desagradado, y es el del entretenimiento. El arte no es entretenimiento, pero mucha gente ha querido resaltar ese aspecto. Los políticos piensan muchas veces que el arte debe llegar a la sociedad y que éste debe ser algo agradable. Creo que el arte concierne principalmente a los artistas, a esos escasos individuos que tienen una especie de locura, cierta capacidad de hacer lo contrario a lo esperado, la de irritar, incomodar, provocar, darles qué pensar. Es el sentido de la pintura. El principal sentido es ir en contra".

"Un artista es, ante todo, alguien que ama el arte. Alguien que tiene que ver solo con el arte. No tiene nada que ver con la sociedad, salvo que ésta resulta una molestia. Así se mantiene la rebeldía".

Yayoi Kusama (Matsumoto, Japón, 1928): "Pinté sin parar día y noche los mismos motivos sobre un lienzo de diez metros de largo. El cuadro carecía de composición. Cuando estaba a punto de terminarlo sentí que había encontrado mi camino como artista y que los puntos habían cobrado su ser. Como estaba tan inmersa en mi trabajo me sentí suprimida, anulada dentro de las redes de puntos".

Santiago Serra (Madrid, España, 1966): "Las razones (de la incomprensión de cierta crítica de arte sobre mi obra) son múltiples. Una de ellas es el deseo de matar al mensajero como portador de un discurso incómodo y que a nadie deja en buen lugar. Por otra parte estoy tocando un tema tabú, el dinero, al que nunca dejo fuera".

*Fietta Jarque, periodista, escritora, editora digital, comisaria de exposiciones. Nacida en Lima, Perú, llegó a España en 1984 y trabajó en la sección de Cultura del diario El País hasta 2013. Es autora de los libros Entrevista con los ángeles -en coautoría con Rosa Rivas- (El País-Aguilar), la novela Yo me perdono(Alfaguara), Cómo piensan los artistas (Fondo de Cultura Económica) y redactora en las memorias del pintor Fernando de Szyszlo, La vida sin dueño (Alfaguara, Perú-Taurus, España).

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